Архив автора: Admin

Дмитрий Четвергов отвечает на вопросы читателей сайта Guitar.ru

Дмитрий Четвергов один из самых известных гитаристов России. Вот уже на протяжении десятка лет он является, наверное, самым востребованным концертирующим и студийным музыкантом. Даже те, кто совсем не увлекаются музыкой, конечно слышали звучание его гитары на множестве пластинок, которые он записал в различных успешных коммерческих проектах. Блестящая исполнительская школа, виртуозная техника, чувство стиля, тонкий музыкальный вкус выводят этого музыканта в высшую гитарную лигу. Дмитрий Четвергов любезно согласился ответить на вопросы посетителей нашего сайта.

 

Здравствуйте, Дмитрий! Какая была ваша первая электрогитара? (Улан, Бишкек)

Дмитрий Четвергов: Это было в далёком 1977 году, а гитара называлась Star 7, и была изготовлена в Чехословакии.

 

Дмитрий, что вы считаете эксклюзивной «фишкой» в своей игре? Что выделяет вас из общей массы? И что вы слушаете в последнее время? Заранее спасибо. (Андрей, Москва)

Дмитрий Четвергов: Эксклюзивная фишка, наверно, заключается в том, что я не переношу что-то услышанное, «подснятое», а пытаюсь изобретать сам. Мой подход — анализ и переработка звукоизвлечения и особенностей игры мастеров и выработка на их основе собственного стиля.
В последнее время слушаю Audioslave, последние пластинки Jeff Beck, а так же свой новый, многострадальный альбом.

 

Дмитрий, скажите, какие гитаристы оказали наибольшее влияние на вашу великолепную технику исполнения и запоминающийся стиль? (Москва)

Дмитрий Четвергов: Начиналось все с Blackmore, Page потом открыл для себя Steve Lukator (Toto), после — Steve Vai (Alkatraz) и в 1987 году – Joe Satriani. На сегодня – Jeff Beck. Чуть не забыл: John McLaughlin, Al di Meola, Pat Metheny и Jimi Hendrix.

 

Повлиял ли на вас Джими Хендрикс и в чем это выражается?

Дмитрий Четвергов: Да, ещё как! Он был одним из моих первых увлечений. Его влияние было велико не только как гитариста, но и как музыканта. Его творческое наследие огромно. Вот, например, на новом альбоме будет композиция Little Wing, а так же посвященная его творчеству песня «Привет, Jimi!»

 

Кто, на ваш взгляд, самый влиятельный гитарист современности? (Валерий, Омск)

Дмитрий Четвергов: На мой взгляд Jeff Beck, так как в нем удачно сочетаются уникальная гитарная школа и прогрессивный взгляд на современную музыку.

 

Будь вам сейчас 18 лет, какую бы музыку вы бы слушали и играли? (EjiK, Москва)

Дмитрий Четвергов: Трудно себя представить. Я бы слушал ту же музыку, что и сейчас. Главное, чтобы в ней была идея, зерно…

 

Скажите, Дмитрий, как вы относитесь к творчеству российского гитариста May Lian’a? Как вы относитесь к творчеству Стива Вая и Джона Петруччи? (Ivan, Москва)

Дмитрий Четвергов: Что касается творчества May Lian’a, то его практически не видно, и поэтому сказать нечего: нет ни альбомов, ни выступлений. А если говорить о его школе и его учениках, то можно отметить правильное звукоизвлечение, хороший вкус, профессионализм.

Что касается творчества Стива Вая, то отношусь к нему положительно. В его музыке выражена индивидуальность, экспрессия, завораживающая магия музыки. Правда, некоторые моменты в его музыке остаются весьма непонятными, как будто специально выдуманными, и поэтому нелогичными. А в целом, мне больше нравится творчество Сатриани, все-таки за простотой формы и лаконичностью чувствуется природный вкус мастера.

С творчеством Петруччи знаком мало, чтобы можно было анализировать его музыку, так что говорить ничего не буду.

 

Что вы думаете о Томе Морелло, гитаристе группы «Rage Against The Machine»?. (Валерий, Омск)

Дмитрий Четвергов: Считаю, что это интересный гитарист, который внёс потрясающие фишки, оживившие современную гитару, и в целом послужил хорошим украшением замечательной команды «Rage Against The Machine».

 

Дмитрий, здравствуйте! Я бы хотел спросить вот что. Насколько я знаю, вы заканчивали класс классической гитары. Играете ли вы сейчас на нейлоне? И как совместить два инструмента – электрический и классический? (Mork_Sorka, Хабаровск)

Дмитрий Четвергов: Играю. На моём новом альбоме есть место классической гитаре. А на концертах я использую Gibson Chet Atkins. Сочетать достаточно сложно.

 

Дмитрий, сколько в вашей коллекции электрогитар? Какие именно? (Irr Vast, Одесса)

Дмитрий Четвергов: Все традиционные инструменты, такие как Gibson Les Paul, Fender Stratocaster, Jackson, Ibanez в каком-то количестве представлены в моей коллекции. В том числе семиструнный Ibanez K7.

 

В чем причина смены в ваших руках гитары Jackson на Ibanez? (Ivan, Москва)

Дмитрий Четвергов: В общем-то, мне все равно, главное, чтобы в инструменте было 24 лада, система Floyd Rose и, желательно, сквозной гриф. Я надеюсь, что в ближайшее время в моих руках появится новая гитара.

 

Дмитрий, как вы относитесь к семиструнным гитарам, используете ли вы их? (Валерий, Омск)

Дмитрий Четвергов: Положительно, так как некоторые партии необходимо записать в низких тональностях, а для этого нужна семиструнная гитара. Как уже сказал выше, я использую Ibanez K7.

 

Как вы продвигали (раскручивали) свою группу? (EjiK, Москва)

Дмитрий Четвергов: Только настоящей музыкой и верой в себя.

 

Какие перспективы создания в России проектов типа G3 как у Сатриани? Российскими любителями гитарной музыки это было бы очень востребовано. Ведь у нас столько замечательных гитаристов, которым есть что преподнести зрителю. И почему бы вам не выступить в лице создателя и основного гитариста в великой тройке? (Infiltrator, Таганрог)

Дмитрий Четвергов: Отношусь положительно, если будет реальная возможность, то я воплощу этот проект.

 

Какими эффектами вы пользовались при записи песни Little Wing, которая находиться на Вашем сайте? Спасибо. (Slang, Салоники/Греция)

Дмитрий Четвергов: Эффектом перегруженной лампы (гитара с ламповым комбоусилителем).

 

Хотелось бы узнать об изготовлении аранжировки песни Little Wing. Какая аппаратура использовалась? (Semat, Нижневартовск)

Дмитрий Четвергов: Полностью вся композиция была записана в моей домашней студии. Я использовал Cubase, VST-инструменты и библиотеку сэмплов. Всё остальное было сыгранно вживую, а сведено на профессиональной студии.

 

Здравствуйте, Дмитрий! Есть мнение, что развитие техники гитариста заканчивается еще в юности, и техничнее, быстрее и виртуознее, чем он играл в 20 лет, он уже не заиграет. Что вы думаете на этот счет? Спасибо. (Юрий, Москва)

Дмитрий Четвергов: Такое мнение абсолютно неправильно. Обучаться можно в любом возрасте, главное, чтобы было желание и здоровье.

 

Скажите, реально ли научиться самому, с «нуля», играть на гитаре на уровне профессионалов, используя при этом лишь учебные пособия и самостоятельные разборы чужих записей? Возможно ли так найти свой звук, а точнее не потерять его при анализе чужих композиций? (Тимофей, Санкт-Петербург)

Дмитрий Четвергов: Вот я, к примеру, достойный представитель того типажа, который вы описали. У меня не было учителей. В то время, когда я начинал изучать гитару, даже никакой информации у нас в стране не было. Анализ может повлиять только на опыт, а не на стиль.

 

Что, на ваш взгляд, важнее при игре на гитаре – техника или же интеллект гитариста? (Сергей, Горки)

Дмитрий Четвергов: Это вещи взаимосвязанные! Во всём нужна гармония.

 

Дмитрий, с каких лет и сколько часов в день вы занимаетесь? Спасибо. (Алексей, Мытищи)

Дмитрий Четвергов: Начал заниматься классической гитарой с 14 лет. Раньше играл и по 16 часов в сутки, а сейчас пытаюсь заниматься в свободное время, но всё же лучшая тренировка – это концерт.

 

Не могли бы вы посоветовать какие-нибудь эффективные упражнения для занятий с метрономом, чтобы играть ритмично и аккомпанемент, и соло? (Антон, Уфа)

Дмитрий Четвергов: Включать метроном или драм-машину, записывать себя, и главное – анализировать записанный материал.

 

Если не трудно, можете сказать, какому техническому приёму нужно уделять особенно много времени? Заранее спасибо. (Улан, Бишкек)

Дмитрий Четвергов: Больше всего времени нужно уделять бэндам и вибрато, а так же их сочетаниям, причём вибрато не рычагом, а пальцами, и обязательно записывать себя.

 

Какой режим работы и отдыха должен соблюдаться при выработке скоростной техники? При каких признаках усталости следует давать рукам отдых? (Андрей, Санкт-Петербург)

Дмитрий Четвергов: Обычный нормальный здоровый режим, ничего особенного, главное высыпаться. Если «зажимается» рука, то нужно переключиться на другие упражнения.

 

Здравствуйте. Что вы посоветуете в поиске собственного звучания? И как его выбирать, если приходиться играть в разных стилях? Как вы занимаетесь (план занятия)? Спасибо. (Артур, Новомосковск)

Дмитрий Четвергов: Для того, чтобы найти собственное звучание нужно очень много играть свою собственную музыку, создавать свои собственные «фишки» (перед этим проанализировав, что сделали мастера), а игра в разных стилях только поможет найти себя. План занятий – индивидуальный, надо больше играть с драм-машиной и слушать свои собственные записи.

 

Здравствуйте, Дмитрий! У меня такой вопрос: как эффективнее всего повысить своё мастерство? Есть ли какие-нибудь особые методы, упражнения? Какие посоветуете играть произведения (классические, блюзовые и т.п.)? (Александр, Ногинск)

Дмитрий Четвергов: Нужно играть всё и много, всегда и везде. Надо снимать на слух произведения мастеров, и добиваться в конечном итоге точно такого же звучания. Опять же записывать себя и анализировать.

 

Что необходимо для того, чтобы в России и, в частности, в Москве сделать карьеру успешного сессионного гитариста? Каковы особенности профессии сессионного гитариста у нас в стране? (Олдос Хаксли, Санкт-Петербург)

Дмитрий Четвергов: Надо уметь играть любую музыку от дворового чёса до виртуозной игры Стива Вая. Надо уметь работать на студии. Быть постоянно на виду.

 

Интересно, какие педали использует на сцене Дмитрий Четвергов? (Тарас, Кременчуг/Украина)

Дмитрий Четвергов: Тюнер, Wah-wah, либо педаль переключения каналов лампового усилителя, либо какую-нибудь педаль перегруза, либо дилэй.

 

Дмитрий, как вы оцениваете устройства цифровой гитарной обработки применительно к работе как в студии, так и на концерте? Можете ли вы выделить какие-либо особенно понравившиеся Вам цифровые или аналоговые устройства? (Алексей, Бронницы)

Дмитрий Четвергов: Положительно отношусь к процессорам компаний Line6, Jonson (J-Station), Digitech. Их можно использовать и в студии, и на концерте, и в походных условиях. На концертах цифровые приборы, эмулирующие звучание известных комбоусилителей, хорошо использовать для обогащения звучания простых комбо.

 

Не было ли у вас мысли как-нибудь совершенно изменить свое звучание, пойти на какой-то новый эксперимент в сфере гитарной музыки? Это интересно и с точки зрения личного мастерства, и с точки зрения совершенно новой художественной работы. (Михаил, Москва)

Дмитрий Четвергов: Возможно всё… Дайте в руки мне баян, я порву его совсем!..

 

Поедете ли вы на Грифоманию в Минск? (Василий, Могилев)

Дмитрий Четвергов: Пригласят – поеду! Пока предложения не было.

 

Декабрь 2004.

Благодарим всех читателей, приславших вопросы для интервью.

Источник: guitar.ru

Дмитрий Четвергов о неизвестных аккордах российского рока: «Родное Подмосковье», №52 2004

Дмитрий Четвергов. Музыкант. В 1995 году по опросу среди профессионалов был признан лучшим гитаристом России в номинации «Электрогитара» (газета «Московский Комсомолец», журнал «Music Box»). Как гитарист участвовал в переиздании рок-оперы «Юнона и Авось». На сегодняшний день — один из самых востребованных концертирующих и студийных российских музыкантов.

«Музыка — это великая тайна. Музыка — она по ту сторону физического бытия, по ту сторону времени, истории и политики. Она вне богатства и бедности, вне жизни и смерти. Музыка вечна. Она стоит так высоко, что разум не в силах приблизиться к ней. Она оказывает действие, подчиняющее себе все, — и никто не в состоянии уяснить, что это. Музыка — это великая тайна, мистерия. И чем больше ты о ней знаешь, тем менее способен дать ей определение:»…Эти слова звучат речитативом на моей новой пластинке, которая скоро выходит. Я позаимствовал их у Патрика Зюскинда, а тот, в свою очередь, перефразировал Гете. Да и можно ли сказать о музыке лучше? Пластинка будет называться «С цветка на цветок» — так же, как одна из композиций. Представим себе бабочку, перелетающую с одного цветка на другой. Причем цветки эти разные. Так же и у меня в музыке используется очень много стилей: джаз-рок, арт-рок, этно, симфоническая музыка и так далее — все вместе называется фьюжн (по-английски fusion — сплав, слияние). Как будто в инструментальных композициях одно состояние перетекает в другое. Это не значит, что в них нет собственного стиля. Я бы сказал, что они, по моему замыслу, вне какого-либо определенного стиля.

— Когда можно сказать о художнике, что он состоялся? Необходима ли для этого определенная доля известности и признания? — Известность — это еще не показатель. Сейчас такие возможности, что любой школьник может выпустить пластинку. Купил компьютер, запрограммировал виртуальные музыкальные инструменты — и вперед. А если еще есть деньги на распространение пластинок, тогда совсем хорошо. Но будет ли это творчеством? Или очередной профанацией, заполонившей наш музыкальный рынок? Вот в чем вопрос. Понятно, что с современным музыкальным оборудованием можно достичь просто невероятных результатов. Например, я очень часто присутствую на различных музыкальных конкурсах и фестивалях. Молодые ребята делают в свои годы такое, что я в свое время не мог — по объективным причинам. Ведь в годы застоя электрогитара, да и рок как музыкальное направление были запрещены. Мы изучали рок вслепую, никакой информации, инструментов, звукозаписывающей аппаратуры: Обо всем приходилось чуть ли не догадываться. Понятно, что это было как бы «подпольное творчество» и ни о каком официальном признании не могло быть и речи. Я рад, что сейчас появилось много хороших музыкальных школ, и музыкант может обучиться всему намного быстрее. Но это не значит, что он автоматически становится профессиональным музыкантом. Это говорит о том, что у него появилось гораздо больше возможностей для того, чтобы состояться. Процесс становления настоящего музыканта достаточно долгий. Истинный музыкант — это не только хороший исполнитель, но и создатель музыки. И пусть это не что-то гениальное (сейчас распространено даже такое выражение, что «моцартов» среди нас нет»), но зато своё. А для того, чтобы человек состоялся как музыкант, совсем не обязательно определенное количество пластинок. Можно сочинить всего одну мелодию и войти в историю ( «Полонез» Огинского). Музыкант должен иметь вес в обществе — не дутый, а настоящий.
— А кто является более верным экспертом — узкий круг профессионалов или публика? — Я не могу ответить однозначно. Профессионалы оценивают твою технику игры, а публика чувствует сердцем. Конечно, и тут вероятность не 100-процентная. Например Ван Гог продал всего одну картину и только после смерти был признан гением. Или, наоборот, забвение, пришедшее на смену внезапной славе. Вот сегодня ты в фаворе, а завтра уже забыли. Но какие-то законы все равно есть. Как ни странно, профессионала отличает умение качественно сделать простую вещь. Например, Сальвадор Дали мог нарисовать практически все, поскольку был воспитан на классической художественной традиции. А многие его последователи и сторонники, вообразившие себя сюрреалистами, не могли нарисовать в обычной классической манере элементарный натюрморт. Значит, это просто проходимцы, называющие себя гениями. И в музыке таких людей достаточно. Если в музыке, какого бы жанра она ни была, есть энергетика, теплота, уверенность, то люди это оценят. И если ты не случайный человек в искусстве, то играть полную отсебятину и втирать людям ерунду не будешь: Ну и, конечно, мои родные и друзья — это самые важные и дорогие для меня судьи.
— Существует такое понятие — «свободный художник». На ваш взгляд, это хорошо или плохо для творчества? — Здесь палка о двух концах. С одной стороны полная свобода творчества и независимость — это замечательно. Однако, когда человек слишком глубоко уходит в себя, он рискует быть неуслышанным. Художник, музыкант как бы варится в собственном соку, в отрыве от действительности. Появляется такое явление, как искусство для искусства. А жизнь остается в стороне. Но и художник — тоже. И все, что он делает, остается, невостребованным «в столе». А между тем люди поставлены в такую ситуацию, что им необходимо выживать. И если ты не сделал что-то на продажу, то ты не будешь признан. Твое искусство в этом случае не будет показано и услышано. Значит, в любом творчестве необходимо идти на компромиссы. Я не говорю, что надо «прогибаться под изменчивый мир» — а облекать свои работы в такую «рамочку», которая будет интересна и удобна для массовой культуры. Нашел необходимую середину, а уже при грамотном подходе можно подстроить ситуацию под себя. Получается, что свободный художник — это человек, имеющий достаточно средств, чтобы не идти на компромиссы и делать то, что он хочет. Однако, чтобы эти средства появились, необходимо проявить гибкость. Таков суровый закон жизни.

— Говорят о существовании русского рока. Но почему нет уровня Led Zeppelin, Deep Purple..? Может, все дело в российской ментальности? — Рок-музыка как культурное явление родилась на Западе. С тех пор там успели сложиться соответствующие музыкальные школы. Это одна из причин российского отставания — и она лежит на поверхности. Но есть и другая — в особенностях русского языка. Ну почему-то не ложится он на эти аккорды, и все тут. Одна и та же мелодия на русском и английском будет выглядеть по-разному. Зато русское слово очень хорошо подходит к популярной музыке (не путать ее с дешевой попсой) и этно-музыке. А еще я наблюдаю странную вещь. Иногда мне говорят: мы не можем принять твои композиции, потому что у тебя гитара СЛИШКОМ хорошая. Получается, что мне надо просто лихорадочно бить по струнам, как, например, музыканты группы «Звери»? Тогда это будет настоящей музыкой? Вообще почему-то при слове «рок» многих бывших рок-музыкантов, а сейчас — директоров радио, ведуших на ТВ, начинает трясти и колбасить. Они понимают, что это не прибыльно, не чартово — поэтому из этой сферы и ушли. Несмотря на все это, я верю, что и у нас наступит время достойной рок-музыки. Мне кажется, в нашей стране есть для этого хороший потенциал, только его пока не могут поднять на должный уровень. Для России все дело во времени. Об этом говорят многие фестивали и конкурсы, которые представляют много интересных музыкантов. Ведь не может быть, что русская музыка — это только балалайка и гармошка. В любом случае, наш рок будет отличаться от западного. Возможно, своей самобытной мелодикой. До тех пор, пока самодеятельность будет возводиться в ранг профессиональной музыки, у нас не будет настоящего рок-движения. Ведь сегодня вся индустрия в шоу-бизнесе сосредоточена на поп-культуре.
— Рок-музыкант при желании может играть попсу, и это явление последнее время наблюдается довольно часто. Однако обратного процесса почему-то не происходит. Это зависит от психологического настроя, или у «рокера» просто выше музыкальная квалификация? — Как я понял, мы говорим не о качественной популярной музыке, а именно о попсе, т.е. о дешевой подделке под нее. Между прочим, профессионально играть даже попсу (я это называю «приспосабливаться к чесу») достаточно сложно. Многие рок-музыканты могут играть безумно сложные композиции, а на простых ритмичных вещах пасуют. Это так по-русски! И часто случается, что они хотят поиграть в этом жанре, а их просто не берут, говорят, учитесь играть простые вещи. Так что чисто в профессиональном плане для музыканта здесь появляется хорошая практика. А то, что из поп-индустрии музыканты не идут в рок — конечно, здесь работают и психологические причины: разный склад души и проч. Но в нашей стране, сейчас особенно, все упирается в деньги. Рок — он кормит мало. И молодому человеку, желающему себя грамотно «подать» в шоу-бизнесе, выгоднее заняться попсой. А рок-музыкант, чтобы заработать хоть какие-то деньги, к примеру, на выпуск пластинки, вынужден «подрабатывать» в поп-индустрии. Мне кажется, это явление можно сравнить с тем, как люди с высшим образованием, чтобы прокормить семью, идут торговать в ларьках. Все-таки в одно и то же время в разных отраслях жизни наблюдаются схожие течения. Тем не менее, жалеть об этом глупо. Я сам несколько лет работал с Алсу — делал для нее гитарные аранжировки. Например, в песне «Вчера». Очень сложно из трех аккордов сделать что-то интересное. Но в этом и проявляется разумный компромисс. Я считаю эти годы для себя хорошей практикой. Да и она от нашего совместного творчества выросла как певица. Однако выдавать эту работу за шедевр тоже не стоит. Важно не задерживаться в этой отрасли, работать над чем-то своим, что ты считаешь настоящим. Единственное, что обидно — это распределение ролей в шоу-бизнесе. Там есть только звезда, все остальные — в тени. Обслуживающий персонал. Сегодня один, завтра другой. В отличие от Запада, у нас нет статуса музыканта, у нас есть только статус «звезды». На Западе есть масса изданий, освещающих именно творчество музыкантов, а здесь они напоминают «темных лошадок». Это чисто русское явление.
— Почему так происходит? — Возможно, потому, что наш шоу-бизнес находится пока в первобытном состоянии, как сказали бы экономисты, в период первоначального накопления капитала. Опыта еще накоплено слишком мало. Это к вопросу о статусе музыканта. А если говорить о причинах финансовых преимуществ попсы над рок-музыкой, то тут получается замкнутый круг. Очень многое зависит от запросов публики. Предпочитает она попсу — значит, будет жить именно этот жанр. Однако на вкусы публики во многом влияет то, что крутят по телевизору. А что там показывают — сами знаете. В принципе, я могу понять бизнесменов, вкладывающих деньги именно в этот жанр: они окупаются очень быстро. Иногда мне кажется, что очень многое в шоу-бизнесе зависит от политики. Ведь попсовая музыка — это музыка послушных, одинаковых, это музыка не для личностей, в то время как рок, джаз заставляют думать, развиваться. Может, кому-то выгодно оболванивать массы? Ведь послушно-усредненным людям можно навязать любую идеологию. Наверное, решение проблемы кроется в обретении настоящими музыкантами большей самостоятельности и независимости. Вот мы периодически устраиваем фестивали, хотя понимаем, что в любой момент могут прийти «власти» и открутить башку. Однако я не могу себя выставлять таким вот «спасителем» рок-музыки, поскольку и мне приходилось делать вещи, которые запятнали мой имидж серьезного музыканта. Сейчас везде крутят «У меня мурашки от моей Наташки». Так вот, тот самый припев я придумал за 10 минут, так — для смеха. А потом вдруг выяснилось, что песня стала очередным «хитом». И представляете, мне вдруг позвонили и пригласили приехать на вручение какой-то премии за эту песню. Я, естественно, отказался. Представил себя в смокинге с бабочкой, важно отвечающим на вопросы журналистов о дальнейших творческих планах: «моей следующей песней будет «У твоей сестренки Ленки очень острые коленки»:». Вот на что иногда приходится идти, чтобы поддержать штаны в определенный период жизни. Но я, как и многие другие серьезные музыканты, хочу жить и работать в этой стране, а не где-нибудь на Западе. Мне хочется жить сегодня и сейчас, быть услышанным и востребованным. А этого без определенного количества денег никак не сделать.
— Что для творческой личности может быть в творчестве самым страшным? — Наверное, отчаяние, когда нет надежды, что тебя поймут. Оно страшно для любого человека. Или когда жизнь вдруг стала неинтересна, даже если внешне все вроде бы хорошо. Тут творчество умирает само по себе. Ну и, конечно, музыканту очень сложно бывает пережить моменты творческого спада, особенно, когда все вокруг говорят, что его концерты уже не те, он спелся, опопсел и проч. Понятно, что от плохих отзывов человек может просто сломаться. Мир жесток. В этот период надо прислушаться к самому себе и постараться понять: это всего лишь перерыв в творчестве или его «последний аккорд». Наверное, надо продолжать работать, не обращая внимания на отзывы критики. Он будет карабкаться, пытаться остаться на плаву. Ведь для творческого человека уйти из творчества — все равно что пустить себе пулю в лоб. Да и если подумать, куда уходить? В бизнес? А бизнесмены и художники — это часто люди противоположные. Наверное, если ты настоящий художник, то после перерыва у тебя обязательно появится вдохновение. Если нет, то надо набраться мужества и заявить публике: все, хватит. И, возможно, тогда в жизни начнется новая веха. Например, помогать молодым музыкантам, делать с ними совместные проекты, заражаться их энергией: «Вся жизнь впереди, надейся и жди». В этом жестоком мире выигрывают оптимисты.

Мария ПЕТРОВА

 

Клубный фестиваль «Джаз в старом городе»

Три ноябрьских субботы продолжался джазовый фестиваль объединивший в атмосфере избранных московских клубов известных зарубежных звезд и перспективных молодых музыкантов.

Джаз это музыка постоянного развития и непрекращающейся импровизации. 27 ноября завершился новый клубный фестиваль «Джаз в Старом городе». Совершенно по-своему переосмыслив понятие «джаз», фестиваль собрал не только традиционных поклонников этого стиля, но и ценителей других музыкальных направлений. Погружая зрителя в предрождественскую атмосферу старого города, каждый субботний концерт дарил публике ощущения уюта и восторга. Но разные джазовые направления — от традиционной босса-новы до авангардной импровизации — сделали каждый вечер самоценным. Словно вкушая хороший коньяк, ценители насладились всем великолепием джаза, то, разбирая его на мельчайшие нотки, то, поражаясь богатству всего букета.

Символ фестиваля — коньяк «Старый город» дарил свое тепло каждому гостю фестиваля. Поддержка этой торговой марки сделала фестиваль праздником и для участников, и для гостей, и для клубов их принимавших.

Постмодернистский «News Pub», импрессионистский «Cool Train», эклектичный «Апельсин» — атмосфера в каждом из клубов создавалась организаторами (агентство «АртМания») из множества тщательно подобранных ингридиентов. Хороший коньяк, театрализация пространства добавляли остроты и восхищения яркими джазовыми звездами и магическими музыкальными импровизациями.

13 ноября в «News Pub» звучала bossa nova. Петербуржец кубинского происхождения Йоэль Гонзалес в сопровождении двух гитаристов исполняли зажигательное фламенко. Представил свою новую программу ветеран отечественного underground -джаза известный саксофонист Анатолий Герасимов. Вместе со своими виртуозными ансамблем он поражал публику изысканной непредсказуемостью джаза, сменяя свои потрясающие соло коллективным исполнением шлягера военных лет «Эх, дороги» в регги-версии. Апофеозом вечера стало выступление бразильской певицы Мауши Аднет в сопровождении трио Альфредо Кардима. «Раскачивающийся» ритм Босса Новы и уникальный голос певицы заворожили гостей элитарного NewsPub-а на Петровке.

Второй день фестиваля (20 ноября) в «Cool Train Club» открыл мастер-экспериментатор, саксофонист Олег Киреев с новой программой «Love Letters». Коллектив «Джаз Аэро», представил свое творческое переосмысление джаза, в котором искушенный меломаны уловил бы множество аллюзий — от Каунта Бейси до Херби Хенкока и Шнитке. В этот день один из ярчайших российских пианистов Андрей Кондаков вышел на сцену со своим трио и американским певцом и композитором, которого, по мнению музыкальных критиков, невозможно перепутать ни с кем. Одной из особенностей Майлса Гриффита является его способность заигрывать со зрителем, полностью увлекая его в своё шоу,. Выступление Гриффита превратилось в настоящую джазовую дискотеку. Взрывной Jam session, перетекший в безудержные танцы, устроили Dj Марьянов, скрипач Феликс Лахути, Олег Киреев, Майлс Гриффит и приглашенная публика.

На закрытии фестиваля 27 ноября публика ждала богиню психоделического джаза Нино Катамадзе. Конечно, масла в огонь подлили и Дмитрий Четвергов — философствующий гитарист-виртуоз, и «Белый острог», дуэт электроакустических гитары и скрипки, исполнивший гремучую смесь джаз-фолка с удивительными гармониями. Но Катамадзе и ее «Инсайт» завели переполненный зал исполнением «Once In The Street», да так, что следующую «Сулико» весь зал пел хором на грузинском. Закрывал вечер альтернативный джаз группы «Ритмосекта», которой удавалось перемешивать популярные западные хиты с перкуссионным шоу.

«Джаз в Старом городе» — новый формат фестиваля, отталкивающийся от джаза, но не ограничивающийся им.

Крайне тепло принятый московской публикой, собравший положительную прессу, фестиваль, несомненно, претендует на то, чтобы стать заметным событием московской музыкальной жизни, собирая обширную разновозрастную аудиторию. Совсем скоро «Джаз в старом городе» отправится в другие российские города и в следующем году вернется на московские площадки с новыми именами и музыкальными открытиями.

PLAY и IN ROCK о группе КУРАЖ

Кураж 1990 Кураж

PLAY #12-2002:
Критик Play Всеволод Баронин, спроси вы его, какая запись является Главным Альбомом русской рок-музыки, несомненно, укажет на этот CD.
При этом группа «Кураж» и ее единственную пластинку 13-летней давности мало кто знает.
«Кураж» был супергруппой в западном понимании — музыканты известных команд собрались поиграть вместе, поиграли, записали альбом. И разошлись.
В конце 80-ых на супергруппы была мода, и «Кураж» благополучно в нее влились, вместе с Bad English, Mr.Big и Blue Murder.
Музыка та же — хард-рок, очень «bluesy», баллады, высочайший уровень композиции и исполнения.
Гитарист «Куража» с ударником Андреем Шатуновским по сей день считаются лучшими в России в своей профессии, правда пишутся сессионно с барышнями вроде Алсу.
Голосище-громадина Андрея Кольчугина после «Куража» канул в Лету, и возвращается к нам спустя годы только на данном переиздании.
Нет, это не главный альбом в нашей истории, Баронин чуть-чуть утрирует. Но что один из главных — точно. А вы его скорее всего не слышали.

qMAHcoCo6_YIN ROCK #11-2003:
Когда все ходили в рваных джинсовсках и слушали «Синдереллу» и «Скид Роу», звучащих из магнитофонов на плече, это музыка находилась в центре моды.
Немудрено, что и в России, были музыканты желающие приобщиться к популярному жанру — глэм-металу.
Кому-то, например Gorky Park, повезло больше, а вот «Кураж» так и остался на долгое время виниловым раритетом, предметов восторга заядлых коллекционеров архивного советского «тяжеляка», да и только.
Возможно, это — из-за русскоязычности материала. Потому что других причин как-то не угадывается.
Залог качества — прекрасное продюсирование и состав музыкантов группы.
Дмитрий Четвергов — знаменитый нынче гитарный виртуоз, Андрей Шатуновский — сверхвостребованный сессионный барабанщик, не уступает им и певец Андрей Кольчугин.
Тексты Маргариты Пушкиной очень напевны и стильны. Здесь поэтесса не погружается в глубины метафизических и философских смыслов, все прсото и понятно — несчастная любовь, красотки, вечеринки…
И конечно, какой глэмовый диск, без душещипательной баллады. Здесь она , разумеется, есть. «Уходит ночь», пожалуй, лучшая композиция на диске.
Подведем итог: альбом безупречен и в отличие от множества попыток сыграть «мелодик рок» в духе конца 80-ых, звучит абсолютно естественно.
Так что если вам не терпится купить какой-нибудь из новых релизов Frontiers или MTM, поищите лучше это переиздание «Мистерии Звука». Жалеть не станете.

 

Группа Кураж — Фата Моргана:

 

Группа Кураж — Куда уходит ночь (видео):

Есть IN и есть OUT их только надо правильно соединить

0_2003_IN_OUTДмитрий Четвергов один из самых известных гитаристов России. Вот уже на протяжении десятка лет он является, наверное, самым востребованным концертирующим и студийным музыкантом. Даже те, кто совсем не увлекаются музыкой, конечно слышали звучание его гитары на множестве пластинок, которые он записал в различных успешных коммерческих проектах. Блестящая исполнительская школа, виртуозная техника, чувство стиля, тонкий музыкальный вкус выводят этого музыканта в высшую гитарную лигу. Вполне естественно, что именно этот гитарист был приглашен в самый «обеспеченный» коллектив страны к певице Алсу, где стал не только «украшением сцены», но и в определенной степени определять звучание этого коллектива.

Конечно, Дмитрий Четвергов, в первую очередь концертирующий сольный гитарист-инструменталист. И именно здесь раскрывается Дмитрий Четвергов как подлинная творческая личность. Чем отличается этот музыкант от других высококлассных отечественных гитаристов? Главное то, что Дмитрий Четвергов находится в постоянном поиске новых прогрессивных музыкальных идей. Слушая композиции Четвергова, становится понятно, что рамки классических стилей ему тесны. Будущее в электронике, в цифровых технологиях! Или, лучше сказать, будущее с электроникой, на новых технологиях! Так постепенно Дмитрий превратился в одного из лучших специалистов домашней компьютерной звукозаписи, для которого студия стала настоящей творческой лабораторией.

Итак, сегодня в гостях у IN/OUT Дмитрий Четвергов.

in out 1Дмитрий твой первый музыкальный инструмент, насколько мне известно, было фортепиано… Но все же ты стал гитаристом. Как вообще проходило твое музыкальное детство?

В семье, где я рос, музыкантов профессионалов не было. Детство мое проходило, большей частью, у бабушки в деревне, и из всех музыкальных источников мне было известно только радио. И судя по моей реакции на музыку,бабушка заключила, что я буду музыкантом и мне купили пианино. Надо сказать, что я не любил копаться в нотах и разучивал произведения большей частью по памяти, вспоминая, как звучала пьеса, когда её проигрывал педагог, допуская неточности и вольности. И мне казалось, что мои импровизации улучшали пьесы, но я никогда не получал одобрения от учителей.

И как я теперь понимаю, именно тогда в раннем моём музицировании и проявились способности к сочинительству и аранжировке. Позже, сдавая экзамены по общему фортепиано в институте, я исполнял собственные произведения, которые имели даже некоторый успех у моих сокурсников и педагогов. Одна пьеса того времени вошла в мой сольный альбом «Свободный полёт», соответственно уже в гитарном исполнении, и называлась она «Восточный ветер».

in out 2Гитара появилась, когда мне было 13 лет. Я уже недурно играл на фортепиано, но и мне
было не так трудно освоить теоретические азы игры на гитаре, правда, все это происходило в жанре дворовой песни.

То есть в стиле «шансона», или, проще сказать, городского блатняка ты тоже имеешь опыт игры!

Кстати и этот опыт пригодился, потому что работая сессионным гитаристом в студии, частенько приходилось играть «дворовый чес» в разных интерпретациях. Вообще, любой музыкальный опыт нужно бережно складывать в свою творческую копилку, и он обязательно поможет в дальнейшем творчестве. Например, играя в институтском оркестре народных инструментов на домре, я успешно овладевал приемом тремоло,- время зря не терял. А в последствии мне это очень пригодилось для развития техники правой руки, при игре на гитаре.

А как началась складываться уже профессиональная карьера?

После службы в рядах СА я попал в ВИА «Экипаж» Тюменской обл. филармонии, где и получил свой первый профессиональный артистический и гастрольный опыт. А по настоящему я занялся инструментальным жанром в группе «Квадро» (1984-1987). Мне очень пригодились те знания, которые я получил в момент обучения в студии джазовой импровизации «Москворечье». Ну и, конечно же, очень позитивен опыт работы с ведущими инструменталистами Вячеславом Горским и Анатолием Куликовым. Аранжировкой по настоящему я занялся, работая в группе «Кураж»(1989-1991). А подтверждением тому, что самое оптимальное аранжировочное решение происходит в группе, путем предварительных набросков, репетиционных и демо — записей, споров и коллегиальных решений, стал альбом «Ветер в гривах», который звучит и сейчас актуально, разве что sound староват, так как это происходило в 1989 году.

3_2003_IN_OUTСамостоятельно начал заниматься аранжировкой в период работы с Николаем Носковым (1991-1996). С Николаем было довольно сложно, но интересно и полезно. Первое время приходилось дотягиваться до уровня экс-лидера группы «Парк Горького»- первой русской группы получившей признание в мире. Я научился у Николая дотошности, которая необходима в поиске правильного «крючка» в аранжировке. Мне удалось отобразить весь предшествующий опыт в своем первом сольном альбоме «Свободный полёт», который можно отнести к жанру фьюжин. Он получился почти, так как задумывался. И очень радует тот момент, что некоторые композиции до сих пор звучат по радио и в качестве заставок на некоторых ТВ каналах. Мне очень приятно, что для некоторых музыкантов работающих в стиле фьюжин есть много интересного в этом альбоме. В совместном проекте «Четверг Арутюнова»(1998-2001) с экс-лидером группы «Лига Блюза» Николаем Арутюновым был произведен эксперимент над классикой рока. Мы брали песни групп «LED ZEPPELIN», «T. Raks», «Kiss», и многих других и переделывали их достаточно вольно и как показывала реакция публики небезуспешно. Многие песни зазвучали настолько свежо и оригинально, что даже некоторые ярые критики отмечали их уверенно в сторону улучшения. Правда, вся беда cover-музыки в том, что она не выходит за рамки клубного исполнения. А для того чтобы ее издать нужно много времени, сил и денег потратить не только на запись, а главным образом на очистку авторских прав.

С годами я пришел к простому выводу, что музыкант, если он таковым является должен уметь играть любую музыку. И мой сессионный опыт, наряду с интересными некоммерческими проектами, конечно же, распространился на львиную долю популярной музыки. За более чем пятнадцатилетний период сессионной студийной работы я проучаствовал в проектах большей части нашей именитой эстрады.

Конечно, очень хочется задать несколько вопросов по твоей работе в коллективе Алсу… Кстати, песня «Вчера», которую ты спродюсировал стала 100% хитом!

4_2003_IN_OUTЧетыре года назад я получил предложение поработать с Алсу. Нужно отметить, что большая заслуга продюсера певицы Валерия Белоцерковского в том, что ему удалось сформировать достаточно дружный коллектив, работающий исключительно живьём.

Первое время группа звучала довольно-таки грубо. Все-таки нужно учитывать, что песни Алсу, основываясь на субтоновости и проникновенности ее тембра, подразумевают не только точность исполнения партий инструментов, но и слаженное динамическое взаимодействие музыкантов. Вообще, очень сложно добиться «пластиночного» звучания, и это особенно касается жанра поп-музыки. Гораздо удобнее включить «минус», а то и «плюс» и сверху подыгрывать и подпевать. Но в нашем коллективе удалось звучать живьем и даже в некоторых случаях лучше, чем на пластинке, и это главное.

Работать в таких звездных группах всегда сложно! И по моему многолетнему опыту работы в «тусовке» я прямо скажу, что звездные коллективы всячески давят музыкантов! Звезды музыкантов называют «стенкой» и держат их для сценического вида (или просто для солидности). Может быть Алсу и ее окружение вводят более цивилизованные формы правления?

Ну не стоит обращать внимание на возню, которая неизбежно происходит в звездном окружении. Гораздо приятнее осознавать собственную значимость, и хотелось бы напомнить звездам и их продюсерам, что их успех и надежность во многом зависят от музыкантов. Потому что изначально существует музыкальная идея, которая преобразуется в материал, создаваемый музыкантами, а потом уже к этому прикладывается талант и обаяние исполнителя, и все это подкреплённое чутьем продюсера уже имеет право на жизнь. Но в нашем поп-шоу бизнесе статус музыканта и аранжировщика рассматривается не более чем, как безликий обслуживающий персонал, соответственно не по достоинству оплачиваемый. И любой продюсер будет стремиться, подешевле купить труд музыканта, но и естественно подороже продать. Добавим к этому беспредел пиратов, которые процветают с попустительства властей. И на выходе получим уровень жизни наших ведущих музыкантов более ниже среднего. Но в целом коллектив Алсу это уже нечто новая качественная ступень развития нашего шоу-бизнеса. Мне есть с чем сравнивать. Ну да ладно, вернемся все же к творческим категориям. Так получилось, что, работая над альбомом «Алсу 19» мне удалось спродюссировать песню А. Шевченко «Вчера», которая открывает, альбом и в последнее время стала визитной карточкой певицы. В длительном и мучительном процессе работы и поиска правильного решения, после нескольких вариантов аранжировок от этой песни практически отказались. Но я попросил нашего аранжировщика, Игоря Крюкова, показать мне предыдущие варианты аранжировок этой песни и, остановившись на одной из версий, попробовал в «пятисотый» раз, но уже самостоятельно, без чьего-либо продюссированния сделать партию гитары. Хотя до этого мне скептически было сказано, — “Да какая там гитара, песни нет!». Но мне удалось доказать обратное. Партия гитары сыграла решающую роль в аранжировке. Первый припев и куплет вообще идет под одну гитару. Так что, благодаря моему участию, не только как гитариста, а уже как продюсера, получилась эта песня, да и не только получилась, но и не однократно занимала первые места на музыкальных телеканалах МУЗ-ТВ и МТВ.

Да, грамотные гитарные партии могут очень изменить звучание композиции! Главное их найти! Но аранжировщики не всегда дают гитаристу свободу…

Вообще задача любого сессионного музыканта не только в том, что бы сыграть свою партию, но и постараться услышать эту партию в общем, контексте, и если есть возможность повлиять, в положительном смысле, на конечный результат. Надо сказать, что любая студийная работа заключает в себе возможность самостоятельного продюссированния, исключения составляют случаи, когда вся аранжировка четко расписана и изменения в каком либо инструменте повлияют на другие выверенные партии. Но в современной музыке многое зависит от взаимодействия обертонов звучания разных инструментов, а по сему в выписывание партии гитары зачастую занятие неправильное. Может быть отчасти программа «Виртуальный гитарист» и помогает многим аранжировщикам, но иногда мне приходится менять партии, предложенные мне аранжировщиком, на свои, иимпровизационно-изменяемые в момент исполнения, укладываемые тембрально и тиссетурно в аранжировку. И так как я сам занимаюсь аранжировками, мне легче услышать в общем полотне нужную партию, правда, иногда приходится бороться с естественными амбициями аранжировщика полагающим, что его выстраданные партии правильны и единственно возможны. И только когда партия встанет в общее полотно, можно судить правильная она или неправильная.

Хочется поговрить о твоем сольном проекте. Уже довольно долгое время ты никак не доведешь до конца свой альбом. В чем причина?

5_2003_IN_OUTВ свободное время от сессионных проектов и основной работы я занимаюсь своим авторским альбомом. За последнее время написано немало композиций, но отобрать и закончить нужные произведения — задача не из легких. Спродюссировать себя гораздо сложнее и здесь, конечно, без посторонней помощи можно залезть в глубины самокопания и неопределенности. Хотя творческий эгоизм удовлетворяется на все 100%. Кроме продюсера в себе нужно воспитать менеджера, который будет подталкивать в нужный формат, назначать сроки, дисциплинировать и организовывать. Сделав демо версию своего нового альбома в своей домашней студии, я показал это на публике, выложил новые композиции в интернете(заинтересовавшиеся могут скачать пьесы с сайта www.guitars.ru в разделе гитаристы России или с сайта www.chetvergov.ru), но так и не понял в каком же жанре выдержан мой альбом. В некоторых композициях я использую мелодекламацию, кое-где звучат вокализы, используются фрагменты с симфоническим оркестром. В общем, это современная прогрессивная гитарная музыка, а на сколько органично уживаются в ней различные стилистические элементы судить слушателям. Наконец я приступил к сведению этого альбома на хорошей студии “R.Sound”Сергея Рыбина, который подошел творчески к моей музыке и предоставляет свою студию, невзирая на студийное время, ориентируясь на конечный результат. И думаю, что к моменту выхода этой статьи большая часть альбома будет смикширована.

Мне известно, что ты подписал контракт с фирмой Ibanez. Теперь в России ты Лицо этой знаменитой гитарной марки. Как тебе это удалось?

Этой весной Сергей Тынку (менеджер A&T Trade по гитарному направлению) был в Японии, проводил переговоры с Ibanez. И в том числе знакомил руководство Ibanez c российской гитарной музыкой. Мне очень приятно, что представители Ibanez после прослушивания десятков компакт-дисков, переданных Сергеем, высказали желание сотрудничать именно со мной. По их словам моя музыка наиболее близка к той музыке, для которой они хотели бы делать свои гитары. Они называют ее как “гитарная музыка, не имеющая границ”. Имеется в виду границ в плане технического исполнения, либо каких-то стилистических ограничений.

Теперь хочется перейти к более технической теме и поговорить о современных музыкальных компьютерных технологиях в которых ты достиг больших успехов. Как ты думаешь, необходимо ли музыкантам осваивать массу смежных профессий или оставить эту работу на долю звукорежиссеров?

Современные технологии и компьютерная техника это часть нашей жизни, а современная музыка без компьютерных технологий уже обойтись не может. Конечно же любой акустический музыкант со своим инструментом может в любой обстановке что нибудь сыграть и устроить праздник для себя и окружающих. Это было во все времена и всегда будет, поэтому никогда не стоит забывать акустическую гитару. И даже если не будет электричества, то всегда можно пойти и заработать себе на кусок хлеба. Живая напрочь музыка — это просто замечательно, никто не спорит. Но уж если компьютерная техника позволяет значительно улучшить живую музыку, то, наверное, глупо и недальновидно противится этому. И поэтому нужно не лениться и осваивать современные технологии и компьютерную технику. Да и потом за сравнительно небольшие деньги, можно дома заиметь достаточно качественную собственную студию. Грех не воспользоваться музыканту «подарком» нашего времени. Лет пять назад об этом можно было только мечтать, или иметь, но за ощутимо большие деньги!

Конечно же, решившись на оборудование своей квартиры под home recording студию, нужно отдавать себе отчет, что вы будете делать. Можно успешно заниматься диджейской музыкой и делать все внутри компьютера, используя готовые треки, лупы и семплы. В этом случае особые знания в области звукорежиссуры не важны. Я видел как школьники, особо не задумываясь, словно играя в компьютерные игрушки, делают довольно приличную танцевальную музыку. А если вы собрались писать живые инструменты и голос, в этом случае надо подумать о звуковой карте, преампе, конденсаторном микрофоне и пульте с наушниками. Ну и соответственно профессию звукоинженера и звукорежиссера нужно осваивать. Как-то меня спросили, как мне удается разобраться в сложном хитросплетении проводов в моей студии. А я ответил, что IN и есть OUT, их только надо правильно соединить. Это, конечно же, отдельная тема, кстати, программа Reason, которая может являться своего рода пособием, наглядно показывает (при переключении клавиши Tab) connection студийных приборов. Так что не следует пугаться звукорежиссерских заморочек, да и в дебри тоже не стоит лезть. Можно накопить свой индивидуальный опыт в звукозаписи, в конечном итоге не важно, как это делалось, а важен результат.

Какое основное оборудование ты используешь в своей студии?

6_2003_IN_OUTНа сегодняшний день в моей домашней студии: на базе Pentium4, 2,6GHz, 1,00 GB of RAM, звуковая карта WaMi Rack24, преамп dbx376, пульт Eurorack mx204A (используемый исключительно для мониторинга), конденсаторные динамические микрофоны (Noeman TLM170,MK219a,Sennheiser K6P, shure57),YAMAHA NS10, открытые и закрытые наушники. Для записи гитары использую Engl sovereign100 — Vintage112, процессоры Line6”pod pro”,Johnson station, DigiTech Genesis3. Для того чтобы все это заработало, нужно в первую очередь отстроить компьютер. Здесь, конечно же, нужно знать правильную конфигурацию, которую подскажет специалист. Мне повезло, у меня есть такой человек- Willy (Виталий Жаров). В номере IN OUT №43 есть его статья, в которой хорошо изложены основные моменты, если кому-то интересно, то можно посмотреть и вынести что-либо. Вот когда машина грамотно и уверенно работает на уровне операционной системы, можно инсталлировать soft. На базе Widows XP я работаю в программе CUBASE SX, пользуюсь WAVE LAB, SOUND FORGE, CDXRACT.Не хочу агитировать по поводу CUBASE SX, но на сегодняшний день это оптимальный вариант работы с VST инструментами. И если установить STULYS, ATMOSPHERE, TRILOGY, GROOVE AGENT, FM 7, B 4, PRO 53, HALION, BATTERY, EDIROL ORCHESTRA, можно делать практически любую музыку. Для того чтобы приступить к записи музыки, вовсе не обязательно досконально изучать программы. Можно начать с несложного произведения и в процессе уже осваивать SOFT. Желание получить результат — хороший стимул для изучения программ.

Как построена твоя работа? С чего ты вообще начинаешь работу над композицией?

В начале работы над аранжировкой я стараюсь определиться с тональностью, ритмикой и темпом. Ищу подходящие лупы и семплы. С появлением GROOVE AGENT значительно упростилась работа над барабанами. Многие рисунки и сбивки звучат просто убойно, от живых не отличишь. Другое дело для эксклюзивности все-таки нужно уметь «забивать» барабаны, иначе придётся писать музыку под готовые акценты и сбивки. Тоже самое касается «Виртуального гитариста». Можно конечно, этот VST-инструмент хорошо использовать для прикидки гитарных партий, и в целом для создания макеты пьесы, но все же потом следует записать живую гитару. Богатство библиотек с возможностями VST-инструментов — это уже залог удачной аранжировки, остается только все грамотно и со вкусом расставить и скомпоновать.

В этом и прошлом номере IN/OUT есть статьи, в которых изложены некоторые способы программирования ударных. Как ты программируешь барабаны?

Программировать барабаны лучше под найденные лупы. Вообще, когда под «забитыми» барабанами шуршит какой-нибудь неназойливый FX LOOP, появляется правильный GROOVE и стильность. В программировании барабанов важно добиться «не дубового» квантайза, используя интерактив квантайз и GROOVE квантайз. Но многие библиотеки не содержат лупы на 3\4 или 6\8, по крайней мере, их очень мало. В STULYS я не обнаружил вообще такой ритмики, так что в этом случае можно порезать четный луп и составить из него триольный. Но опять же все это делается, для вспомогательного драйва. Основные звуки( бочка, малый, железо) должны быть поканально разбросаны. Если брать за основу готовый луп, то, как правило, появляются сложности со сведением. Если захочется его осветлить «зацикает» железо, добавить «мяса»- забухает низ и т.д.

Живой бас ты прописываешь самостоятельно?

Что касается записи баса, то я считаю, что любой гитарист, прикупив не особо дорогой бас, может, после регулярных тренировок, прописывать партии бас гитары. Я так и поступаю, все партии бас гитары записываю сам. Исключение составляет музыка, требующая по стилистике электронного звучания баса. Вообще, я где-то слышал шутку: «приличный басист это неудавшийся гитарист», так что дерзайте! На самом деле это все серьезно, потому что железно запрограммированную барабанную основу можно расшевелить лишь басом. И если гитарист, пишущий бас, незнаком с техникой правой руки (апаянде), то придется пользоваться медиатором, но, а если и медиатором не катит, то только клавишный бас спасет и TRILODGI значительно упростит эту задачу.

Запись электрогитары очень больная тема. Как добиться лучшего звука электрогитары при записи на домашней студии?

Для записи электрогитары я использую приборы, имитирующие звучание комбиков. Это POD LINE 6, JOHNSON J.STATION, DIGITECH GENESIS 3, а в некоторых случаях, когда соседи на работе, включаюсь в усилитель ENGL и снимаю звук парой микрофонов. Вообще с гитарой можно экспериментировать, так как современная музыка позволяет. Достаточно послушать последний альбом M. MENSON. Можно мешать гитару с FX семплами и создавать свои эксклюзивные семплы. Можно записывать гитару через дибокс: один канал с примочкой, другой чистый и потом чистый обрабатывать плугинами или брать его с BUS и прогонять его через комбик. Вообщем нужно экспериментировать и иметь к миксу как можно больше вариантов одной и той же партии, благо компьютер позволяет. То же самое касается саунда большого барабана. Бывает очень сложно «вытащить» изначально неправильно подобранный звук, и для этого нужно просто иметь к миксу еще один вариант B.D.

7_2003_IN_OUTА как на счет акустической гитары?

Акустическую гитару записываю исключительно с микрофона. Иногда, если этого требует или позволяет стилистика музыки, можно снять звук с пьезо датчика. Но, как правило, эта пластмаска быстро надоедает. Пьезо можно подмешивать, прописав его на отдельный трек. Вообще акустическую гитару нужно снимать двумя конденсаторными микрофонами. Один направляется в область двенадцатого лада, а другой — на деку в область струнодержателя. Эти положения можно варьировать.

***

Осваивая компьютерные технологии и основы звукозаписи следует помнить, что главное- это всё же работа над формой пьес. Неуемная фантазия и возможности софта могут значительно запутать творческий процесс и увести в сторону. В итоге многие работы зависают в стадии поиска формы. Так что лучше все-таки подчинить всю работу конечному результату — демо звучанию пьесы в целом, пусть в черновом варианте. А потом уже скрупулезно и филигранно оттачивать отдельные фрагменты.

Не претендую на истину в последней инстанции…Но на практике я не раз убеждался, что вышеозначенный алгоритм-наиболее перспективный путь к заветному воссоединению IN и OUT. Такие вот музыкальные “Инь-Янь получаются”…

Дмитрий спасибо за интервью. Мы надеемся, что мы не раз встретимся на страницах нашего журнала.

Беседовал Дмитрий Малолетов,
In/Out (2003)